lunes, 22 de diciembre de 2014

Las 7 maravillas de Kurosawa

Como le ocurre a todo director de cine o artista en general, la carrera de Akira Kurosawa, pese a haber realizado una treintena de filmes y estar bien repartida a lo largo de varias décadas, está marcada por un puñado de títulos que sobresalen sobre el resto de su filmografía, y no por cualquier razón. En esta lista, aunque todas las películas se cuentan entre las más representativas, la he realizado siguiendo un criterio puramente subjetivo, dependiendo de mis gustos, que es también la forma en que están ordenadas, pero realmente cualquiera de sus películas (al menos las que yo he visto) son obras de grandísima calidad que merecen muchísimo la pena, y que no puedo dejar de recomendar.

Los siete samurais
Una de las mejores películas de todos los tiempos. Dura más de tres horas, pero no le quitaría ni un solo minuto, en gran medida porque está tan bien estructurada que cada una de sus escenas tiene su importancia en el conjunto de la trama. En especial me quedaría con su segunda mitad, la batalla final entre samurais y bandidos, uno de los combates más épicos jamás vistos en un filme, y en mi opinión una defincición perfecta de cómo deberían ser este tipo de escenas. Una maravilla inmortal.

El infierno del odio
Aunque las películas de samurais (un género aparentemente ineludible para cualquier director japonés) son las más representativas de su filmografía, Kurosawa también se manejaba perfectamente en otro tipo de filmes. Si Los siete samurais se puede considerar una de las mejores películas de su clase, El infierno del odio es su equivalente en el cine policíaco. De hecho, en las últimas décadas únicamente Seven se le podría comparar. Magníficamente planteada, y con un desarrollo muy extensivo que llega a hacer al espectador partícipe de la investigación policial de la trama. Gran Toshiro Mifune en una de sus mejores interpretaciones.

Yojimbo
Otra película mítica, que recuerda muchísimo a un western tanto por su argumento como por el lugar en que se desarrolla. Entretenidísima y hasta divertida en algunas fases, con varios personajes notables empezando por su protagonista, un auténtico icono del cine clásico japonés. Una de las películas más "ligeras" (entre muchas comillas) de Kurosawa.

Barbarroja
Uno de los filmes más intimistas de Kurosawa, y que significó además el fin de una frutífera relación profesional con Toshiro Mifune, que además realiza aquí la que en mi opinión es la mejor interpretación de su carrera. La película se centra en un joven doctor recien llegado a una clínica 'pública', al principio muy reacio a trabajar allí, pero que progresivamente, influenciado por el médico jefe, comienza a ver las cosas de otra manera.

Rashomon
Una obra maestra, debido en gran medida a su original forma de narración. La película trata de solucionar un crimen mostrando cuatro versiones diferentes sobre el mismo, pero cada una de ellas opuesta o muy diferente a las demás, de tal manera que en ningún momento se aclara cual es la versión auténtica. Filme muy influyente que ha sido adaptada en varias ocasiones en otros países.

Ikiru
Como Barbarroja, otro título de la vertiente entrañable de Kurosawa, protagonizada por un enorme Takashi Shimura. Película que trata varios temas trascendentales desde un punto de vista muy humano. Tiene escenas bastante intensas, y da que pensar. No diría que es un filme fundamentalmente crítico, pero también se le puede dar esa interpretación. Ante todo, muy disfrutable.

El ángel ebrio
El estreno de Toshiro Mifune con Kurosawa fue en esta película protagonizada de nuevo por Takashi Shimura y que también gira en torno a un médico, aunque con enfoque mucho menos positivo que Barbarroja. Es una de las primeras grandes obras del director, con una alta carga dramática y un duelo interpretativo muy interesante.









viernes, 19 de diciembre de 2014

El Hobbit: conclusiones de una trilogía

Han pasado dos años del tan esperado regreso de la Tierra Media a los cines, dos largos años en los que hemos vuelto a recordar aquella épica aventura que una década atrás se convirtió en una de las historias más legendarias que el cine ha contado, y que es y seguirá siendo la referencia indiscutible para el género fantástico.

Hay dos maneras en las que se puede analizar la trilogía de El Hobbit: comparándola con El Señor de los Anillos, o, la opción más difícil, porque las constantes referencias te obligan a recordarla, verla como un filme independiente del anterior. Con su conclusión, La Batalla de los Cinco Ejércitos, volvimos a rememorar otras dos batallas que cualquiera que haya visto tendrá marcado en la memoria, las de el Abismo de Helm y Minas Tirith (también podríamos mencionar la de la Puerta Negra pero no es lo mismo). Visto así, aunque la susodicha Batalla de los Cinco Ejércitos esté a un nivel considerablemente inferior, al menos puede resistir con cierta dignidad las comparaciones. El 'problema' es casi todo lo demás.
Partiendo de que El Hobbit me ha parecido una muy buena película dentro de su género, que visualmente es magnífica, la historia entretenidísima y, bueno, que Smaug tiene sus buenas dosis de protagonismo, y del hecho de que el material que adapta es muy diferente, no puedo decir que me haya decepcionado, pero sí que esperaba algo más. Un ejemplo es el tratamiento visual, que en El Hobbit huele demasiado a CGI (como les pasa de hecho a gran parte de los blockbusters realizados en los últimos cinco años), mientras que en El Señor de los Anillos tenían un aspecto más natural. Otro, los cambios que se han hecho con respecto a las novelas, más interesantes y creíbles en la historia de Frodo y el Anillo (el romance entre Tauriel y Kili o como se llame el enano está metido con calzador).

Otro punto, y en este caso achacable en gran medida al libro, es que el argumento de El Hobbit carece de esas altísimas dosis de épica, de historia legendaria, que era tan natural en El Señor de los Anillos. Y es que además creo que el fallo más importante de Peter Jackson al hacer esta película ha sido el de no intentar seguir un camino diferente, empeñarse en emular a su predecesor y no seguir haciendo lo que entrevimos en la primera entrega (por poco que me guste), una historia más cercana a lo que escribió Tolkien.
Una vez terminada la trilogía mi conclusión es que en dos películas lo podrían haber hecho incluso mejor que en tres, pero sinceramente, y pese a todos los inconvenientes que he mencionado, no pienso que este regreso a la Tierra Media haya sido un error, y que hay que tener en cuenta la dimensión de su hermano mayor. Lo mejor de todo: Smaug, que en el final de la segunda película y los primeros minutos de la tercera nos regala las escenas más impresionantes de la trilogía y el que podemos proclamar como el mejor dragón que nos ha dado el cine hasta el día de hoy.


miércoles, 17 de diciembre de 2014

Y Lola siguió corriendo

En mi eterno afán por sumergirme en un cine lo más alejado posible de las producciones comerciales a las que (y yo mismo me arrepiento en estos momentos) era adicto no hace demasiado tiempo, este último año he invertido de forma bastante evidente y hasta radical mis estadísticas cinematográficas, hasta hace poco plagadas de títulos mayormente norteamericanos pero que en los meses pasados se han llenado cada vez más de películas asiáticas y europeas. Esto no solo me ha servido para poder hablaros de películas relativamente poco conocidas, sino que además también ha supuesto un cambio de 180 grados en mis gustos cinematográficos.

Todo esto no se a cuento de qué venía, ya que hoy lo único que pretendía era comentaros brevemente una de las últimas joyas que he encontrado, y en esta ocasión proveniente de Alemania.
"Corre, Lola, corre", realizada (y además una de sus primera películas) por Tom Tykwer, director entre otros títulos de "El perfume" y "El atlas de las nubes", este último en colaboración con los Wachowski, desarrolla en menos de una hora y media uno de los filmes de acción más fascinantes y originales que se hayan hecho en las últimas dos décadas. Prefiero decir lo mínimo porque es una de esas películas que se ven mucho mejor cuanto menos sabes de ellas, pero al fin y al cabo algo tendré que contaros.

Lo primero que deberíais saber es que su argumento es muy simplista y se nos presenta nada más empezar: una chica recibe una llamada de su novio, quien ha perdido una importante suma de dinero que debe entregar a su jefe mafioso en 20 minutos, y para lo cual le pide ayuda. Comienza así un carrusel frenético que destaca ante todo en su magnífico apartado visual, lleno de fantásticos planos y secuencias poco habituales, y con una narrativa que no puedo calificar de otra forma que no sea rompedora.
Y con tan poca información os dejo. "Corre, Lola, corre" es una película que da para muchísimo análisis, y de la que se puede hablar largo y tendido, pero al fin y al cabo mi única pretensión es recomendarla a quien me lea. Podéis confiar en mi criterio.


domingo, 14 de diciembre de 2014

Cuando el cine se sirve crudo

No sé si os habréis fijado, o al menos sois conscientes, en que la mayoría de los dramas puros que llegan a los cines en la actualidad no hacen otra cosa que tratar un tema de tal forma que el espectador termine sintiendo pena de sus personajes y se solidarice con ellos en mayor o menor medida. La forma de hacerlo suele ser creando una conexión emocional lo más directa y sencilla posible. ¿Y cómo se consigue eso? Diálogos y escenas emotivas que exprimen las glándulas lagrimales, bandas sonoras preciosas, historias con una altísima carga sentimental. A veces mostrándonos imágenes duras. Pero este patrón se repite una y otra vez, y lo hemos visto decenas de veces incluso fuera de este género.
Si digo todo esto es porque, como siempre, hace unos pocos días ví una película que me hizo plantearme la pregunta de sí es obligatorio y/o necesario hacer dramas con los elementos que he mencionado antes. Aunque hay otros, "Lilya 4-ever" es un filme que salta estos límites y lo hace restregándonos en la cara una de las historias más duras y sobre todo más crudas que he visto en mucho tiempo, y sacando a la luz un asunto del que aunque se hable de vez en cuando en los medios no es para nada habitual.

Resumido en pocas palabras, "Lilya 4-ever" es el relato de las constantes desventuras de una joven rusa de 16 años, que abandonada por su madre se ve obligada a prostituirse para poder comer y termina siendo engañada y llevada a Suecia para caer en las manos de un proxeneta. Nada más. Visto así no es nada muy novedoso, porque lo que importa no es tanto el contenido como la forma de contarlo, absolutamente carente de piedad.
No sé vosotros, pero yo sinceramente prefiero ver una película que tal y como hace el director sueco Lukas Moodysson te presenta una realidad despellejada de forma hasta cruel (porque el filme en muchos momentos lo es), que otra en la que se adorna con lucecitas de colores, con un final feliz y que parece con miedo de ir más allá. "Lilya 4-ever", sin ser una obra maestra, es una película enormemente valiente, directa y ante todo cruda, crudísima. No diré que sea imprescindible, pero sí muy recomendable.

PD: y ya que estoy, recomiendo también otra película del mismo director, "Fucking Amal", bastante peor, pero también muy interesante.


viernes, 12 de diciembre de 2014

Los cuatro genios del cine coreano

Hace unas semanas escribía un artículo sobre los que para mí son los más destacables actores del cine coreano, y hoy como corresponde toca hablar de los cuatro directores a mi juicio mejores del cine de este país. Y si solo hay cuatro no es porque los demás sean malos o mediocres, sino porque en casos como Na Hong-jin, director de "The Chaser" o "The Yellow Sea", su producción hasta ahora ha sido escasa. En cuanto a los protagonistas de esta entrada, todos tienen películas mejores o peores, algunas incluso muy flojas, pero si juzgamos por su filmografía completa son creadores de mucho talento, por un motivo u otro.

Park Chan-wook
Pese a que su reciente desembarco en Estados Unidos (esperemos que no por mucho tiempo) le ha hecho desaparecer momentaneamente del panorama coreano, es innegable que es el director más influyente y conocido de su país, sobre todo por "Oldboy" esa películas que como ya he dicho varias veces sigo sin entender su fama. Algo irregular, en su filmografía alternan filmes brillantes como "Sympathy for Lady Vengeance" y "Thirst" con otros menos buenos pero interesantes ("JSA", "Sympathy for Mr Vengeance" o la divertidísima y surrealista "Soy un cyborg", menos conocida pero aprovecho para reivindicar), sin nunca perder un estilo muy original caracterizado por tratar historias cruentas con una cierta ligereza y por una gran factura visual. Imprescindible.

Bong Joon-ho
En las únicas cuatro películas suyas que he visto (y solo ha hecho dos más) siempre ha demostrado ser un director narrativamente sobresaliente, un contador de historias nato de los que les aporta algo más a cualquier película con su trabajo de dirección y su impecable fotografía. "Memories of Murder" es sin duda su obra cumbre, una lección magistral de cómo hacer un thriller policíaco, y tampoco queda lejos "Snowpiercer". "Mother", aunque me pareció menos interesante, también es técnicamente notable y "The host", pese a que su argumento cojea en algunos aspectos, no deja de ser una a ratos divertida y a ratos tensa película de tintes fantásticos con una buena crítica medioambiental.

Kim Ki-duk
Inconfundible. Merece la pena ver cualquiera de las películas aunque solo sea por disfrutar de su personalísimo estilo sin que el argumento te importe lo más mínimo. He visto solo unos pocos títulos de su extensa filmografía, pero con solo esa fracción me basta para definirlo como un director único en su especie, que cuenta historias que siempre tienen algo entre lo inusual y lo cotidiano, y que hace de los silencios y la falta de diálogos una de sus mejores 'armas'. Puede gustarte más o menos, pero solo por su estilo hay que aplaudirle. Su mejor película: "Hierro 3", una auténtica obra maestra.

Kim Jee-woon
El menos bueno de estos cuatro, que no es poco. Solo por su genial "Encontré al diablo" ya se merecería con creces un puesto aquí, pero si a ese bagaje le añades "A Bittersweet Life" o "El bueno, el malo y el raro", que no es que sean grandes películas pero a mi me gustaron mucho, tenemos un notable director, con un estilo menos marcado que los anteriores pero técnicamente muy competente. Otro que por desgracia también ha abducido el cine norteamericano.






lunes, 8 de diciembre de 2014

Sinsentido y carcajadas

Como quien no quiere la cosa, ayer por la noche, mientras me disponía a ver "Stalker", un clásico de ciencia ficción soviética (que quizá comente cuando la vea), ocurrió que en mi camino a la caza de provisiones a la cocina paso por delante del salón y me encuentro a la familia viendo una película... digamos curiosa. Me siento un momento a ver que tal y pasado un minuto o incluso menos mi curiosidad había llegado a tal punto que abandoné mi anterior plan y me enganché a ver dicha película. El filme en cuestión resultó ser "El quinto elemento".
Si os soy sinceros, no sabía prácticamente nada de esta película, más allá de que tenía una fama no muy buena y que estaba dirigido por Luc Besson, director del que hasta entonces únicamente había visto la notable "El profesional". No es un mal punto de partida. Poco después, tras unos minutos algo extraños que me hicieron temer que iba a tratarse de uno de esos títulos de ciencia ficción que terminan siendo horrendamente penosos, comenzaron a sucederse algunas escenas divertidísimas, casi de reírse a carcajadas.

Hace unos meses hablé de la monstruosa decepción que me llevé con el "Dune" de Lynch, y alegué como una de las (muchas) razones que me llevaron a calificarlo como desastre su terrible diseño artístico. En el caso de "El quinto elemento", donde el mayor exponente de su despropósito en este sentido es el personaje de Gary Oldman, el resultado habría sido el mismo si la película hubiese sido diferente, si hubiese intentado tomarse en serio a sí misma. Pero no lo hace, y por esa razón sus enfermizos escenarios, vestuarios y sobre todo peluquines tienen más sentido.
Así pues, lo que en otras circunstancias habría sido un imperdonable despropósito termina siendo un filme que si se toma como una parodia resulta entretenidísima y sobre todo muy divertida, con un humor que se sostiene sobre sus personajes: la pareja protagonista Bruce Willis-Milla Jovovich, el villano patético de turno (Gary Oldman) y un par de complementos perfectos como Ian Holm y Chris Tucker. 

Porque a veces la seriedad no es la mejor opción.


domingo, 30 de noviembre de 2014

Los tres samuráis de Kurosawa

A lo largo de este año en el que he visto un gran número de películas y descubierto en gran medida el cine oriental, hay un nombre que ya he repetido varias veces en unos cuantos artículos de este blog, y cuyos filmes me han gustado cada uno más que el anterior, hasta el punto de que se encuentra sin ninguna duda entre mis 3-5 directores favoritos: Akira Kurosawa, el mayor genio que ha dado el cine de Japón, un país en el que no escasean los grandes artistas del mundo cinematográfico. A través de una larga carrera que se prolongó durante más de 50 años dejó para la posteridad una lista importante de obras maestras y otras películas "menores" de también una gran calidad.

Para empezar una pequeña sección, hoy he querido hablar de tres actores que, si ves varias de sus películas, pronto te darás cuenta de que aparecen una y otra vez en ellas, y es que entre ellos tres protagonizaron la mayor parte de sus obras.

Toshiro Mifune
El gran samurái de Kurosawa. Protagonizó, en solitario o en compañía de Shimura o Nakadai, nada más y nada menos que 16 filmes entre los años 1948 y 1965, es decir, todas las películas que el Emperador realizó en este periodo con excepción de "Ikiru". Tan importante fue en su carrera que sería difícil imaginar obras maestras como "Los siete samuráis", "Yojimbo", "Rashomon" o "Trono de sangre" sin él. 

Aunque sea más conocido por protagonizar películas del género estrella de Kurosawa, los de samuráis, también participó en excelentes dramas o thriller como "El infierno del odio", "El ángel borracho" o "Barbarroja". 

Takashi Shimura
El más veterano y en mi opinión el más versátil de los tres, ya que era capaz de realizar interpretaciones igual de convincentes en personajes tan distintos como el entrañable funcionario de "Ikiru", el médico de "El ángel borracho" o el samurái de "Los siete samuráis". No protagonizó en tantas películas de Kurosawa como Toshiro Mifune, aunque también tuvo papeles menores en varias más. 

Tatsuya Nakadai
Es el más joven de estos tres actores, y el único que sigue vivo actualmente. En parte por esta razón no aparecería en las películas de Kurosawa hasta los años 60, década en que el director comenzó a reducir su ritmo de producción, que hasta entonces había sido prácticamente de una película por año. Aún así, fue el principal villano de "Yojimbo" y "Sanjuro", el detective de "El infierno del odio" y protagonizó las dos últimas grandes obras de Kurosawa, ya en los años 80: "Kagemusha" y "Ran". Además, también protagonizó varias películas de otro gran director japonés de la época, Masaki Kobayashi.




jueves, 27 de noviembre de 2014

Jean-Pierre Jeunet en tres películas

Ya he hablado otras veces de la calidad que tiene la nueva ola de cine de terror francés, pero estos últimos años de lo que más se suele hacer referencia cuando se habla de la industria cinematográfica del país galo, junto algún que otro drama excepcional como "La vida de Adéle", son las comedias. Muchos recordaréis el enorme éxito que tuvo en España "Intocable", una película divertidísima, con grandes protagonistas y un notable argumento que trataba magníficamente un tema de la talla de la discapacidad.

A pesar de ello, la gran referencia de la comedia francesa sigue siendo una película que se estrenó hace ya más de diez años, "Amélie", obra de un director con un estilo narrativo y visual original como pocos, y que también tiene un par de títulos muy recomendables.
El primer largometraje de este director, Jean-Pierre Jeunet, fue "Delicatessen", allá por el año 1991. En ella, haciendo gala de su particular fotografía y de una habilidad para desarrollar historias que sobrepasan, a veces con creces, la línea de lo absurdo, Jeunet nos relataba la historia de los habitantes de un edifico semiderruído recién terminada la II Guerra Mundial, donde dada la escasez de comida, un carnicero se dedica a engañar a personas para matarlas y vender su carne a los vecinos. Todo ello mientras cada uno de los que viven allí tienen sus propias historias y peculiaridades.

"Amélie", aunque en mi opinión esté algo sobrevalorada, no deja de ser una de las mejores comedias de la última década. ¿Por qué? Simplemente, es única como pocas, aprovechaba el agudo sentido del humor que se veía en "Delicatessen" y lo trasladaba a una trama más amable que permite al espectador no solo reírse con ella, sino hasta cierto punto implicarse mucho más en la historia. Además, Amélie Poulain no es por nada un personaje tan conocido.
La última de esta lista es la más reciente y también menos conocida que las anteriores, pero a mi me gusta incluso más que "Amélie". Se trata de "Micmacs", protagonizada por Dany Boon, que daba un giro de tuerca más al estilo de Jeunet, regresando al absurdo más 'profundo' de "Delicatessen" e incluso introduciendo un tema de crítica social. De nuevo, apostaba por una larga lista de personajes entrañables, cada uno con una o dos características muy especiales.


lunes, 24 de noviembre de 2014

Los mejores actores coreanos

Ya sabéis que desde que descubrí el cine coreano hace unos meses me he convertido en un seguidor compulsivo de las películas de este país, cuya producción cinematográfica puede presumir de una gran variedad (aunque, como ya he dicho varias veces, destaquen especialmente los thrillers) y que ha dado a luz un gran número de filmes de una altísima calidad que podrían enfrentarse cara a cara y en igualdad de condiciones con otras muchas producciones estadounidenses u occidentales.

Como hace bastante tiempo desde la última vez que escribí algo sobre cine coreano, he pensado en hacer un breve repaso de sus más destacados intérpretes, artículo que complementaré con otro que probablemente suba la próxima semana hablando sobre los mejores directores de Corea.

Song Kang-ho
Uno de mis actores favoritos de cualquier nacionalidad. Capaz de desenvolverse como pez en el agua en cualquier registro, y siempre con la misma solvencia. Ha hecho personajes muy distintos sin que ninguno parezca menos convincente que otros. A excepción de con el peculiar Kim Ki-duk, ha estado a las órdenes de los tres mayores directores de Corea, interpretando papeles como el detective algo palurdo de "Memories of Murder", el sacerdote vampiro de "Thirst" o a un militar norcoreano en "JSA". Afortunadamente (y no es sarcasmo) aún no ha caído en las redes del cine estadounidense.

Choi Min-sik
Seguramente el rostro más conocido del cine coreano, en gran medida por haber sido el protagonista de "Oldboy". Especializado en personajes duros y villanos de la peor especie, como los asesinos en serie  de "Encontré al diablo" y "Sympathy for Lady Vengeance", papeles a los que parece adaptarse muy bien y con los que ha dado vida a los que probablemente sean los dos personajes más maquiavélicos que he visto en películas coreanas. Recientemente dio el salto al cine occidental de la mano de Luc Besson en "Lucy".

Lee Byung-hun
Aunque sea más limitado que los anteriores, es uno de los intérpretes más importantes de Corea y además el que ha participado en un mayor número de producciones estadounidenses, la mayoría de ellas de acción. Su especialidad: policías y guardaespaldas, tales como los vengativos agente y mafioso de "Encontré al diablo" y "A Bittersweet Life". Es el actor fetiche del director Kim Jee-woon.

Lee Young-ae
Por supuesto, esta lista no podía terminar sin un par de aportaciones femeninas. La primera de ella, Lee Young-ae, a pesar de su escasa filmografía, en la que figuran dos películas de Park Chan-wook, "JSA" y sobre todo "Sympathy for Lady Vengeance", en la que realiza una enorme interpretación desde que la película comienza hasta que acaba. 

Doona Bae
Es más conocida por ser una de las protagonistas de la fantástica "El atlas de las nubes" de los hermanos Wachowski, pero más allá de esta película, Doona Bae ya dio anteriormente muestras de su dote como actriz en "The Host" y Sympathy for Mr Vengeance". En esta última era, además, de lo mejorcito de una película que considero entre las peores de Park Chan-wook







viernes, 21 de noviembre de 2014

Ciclo de Woody Allen: Match Point

Muchas personas suelen emplear esa famosa frase de 'cualquier tiempo pasado fue mejor' aplicada al cine en general cuando miran con nostalgia la larga lista de clásicos inmortales que se han hecho en décadas pasadas. Lo mismo suele pasar con aquellos directores de larga trayectoria, como Scorsese o el propio Woody Allen, de quien algunos dicen que no es el mismo que hizo "Annie Hall" o "Manhattan". Sinceramente, aún no he visto tantas películas suyas como para opinar, pero de las que conozco, mi favorita es una de sus más recientes, "Midnight in Paris", y seguramente muchas personas hablen de "Match Point" como una muestra de que la calidad de Woody Allen sigue siendo la misma.

Para empezar, tengo que decir que las películas románticas (hablo de aquellas 'principalmente' románticas) no es de mis favoritas. Suelen parecerme muy sosas las historias que no hacen más que contar la relación de dos personas, con alguna que otra excepción atípica. Con Woody Allen, un director cuya carrera ha estado vinculado al cine romántico, pero casi siempre en clave de comedia, se lo perdono casi siempre por las risas que me proporciona. Es por eso que si quitamos de la ecuación ese componente fundamental, la comedia, es fácil entender que no me gusten tanto.

Por otro lado, y teniendo en cuenta que es un género que me atrae más bien poco, siendo objetivos hay que reconocer que "Match Point" es una buena película, sin más. Su historia es mínimamente interesante, lo justo para que mientras la veo no me ponga a pensar en otra cosa y tenga más ganas de que se acabe que de seguir viéndola. Está muy bien estructurada, cada 'capítulo' ocupa el espacio de tiempo justo y necesario, y aunque se centre en el romance entre sus dos protagonistas, se agradece que no se deje completamente de lado a los demás personajes (en especial el interpretado por Emily Mortimer, la tercera piedra angular de la trama). 

También es de agradecer que tenga buenas interpretaciones, ninguna excepcional, pero convincentes. Scarlett Johansson, que por mucho que se diga nunca será una gran actriz, hace una de sus mejores actuaciones, y su compañero Jonathan Rhys-Meyers... En fin, digamos que es convincente. Me habría gustado que Matthew Goode, un actor muy infravalorado que siempre he pensado que se merece más papeles protagonistas, tuviese más minutos en pantalla.

En fin, "Match Point" no es lo mejor de Woody Allen y está un pelín sobrevalorada, pero si os gusta el cine romántico es una apuesta casi segura.

lunes, 17 de noviembre de 2014

Películas de terror que deberías ver (IV)

Para poner el broche de oro a esta mini-sección, para el que durante más de un mes he estado viendo películas de terror casi todas las noches, os recomiendo tres títulos no muy conocidos, pero que por un motivo u otro me gustaron mucho y me parecen filmes notables que seguramente disfrutaréis si os gusta el género. En contraste con el último capítulo, que centré en joyas del terror japonés, todas las que veréis aquí son producciones europeas, una británica aunque desarrollada en Estados Unidos, otro del cine giallo italiano, y por último otra maravilla de la nueva ola de terror francés. Algunos son mejores que otras pero ninguna tiene desperdicio.

Alta tensión
Junto a dos películas que no me canso de recomendar, "Martyrs" y "A l'interieur", "Haute tension" podría conformar una extraordinaria trilogia de esa nueva ola de terror francés que puede competir en cuanto a calidad (y diría que supera a muchísimas) a las producciones más conocidas del gigante estadounidense. Como las otras dos, "Haute tension" se caracteriza por su sencillez en muchos aspectos, su brutalidad extrema, tanta que un par de escenas fueron censuradas en más de un país, y por ser cintas de terror puramente humanas, es decir, que no tienen nada sobrenatural en su argumento. Además, sus protagonistas también son mujeres.

Aunque tiene un buen número de detractores, "Haute tension" se ha convertido en una de mis películas de terror favoritas. Su título indica muy bien lo que os váis a encontrar, muchísima tensión condensada en escenas que os obligarán a contener la respiración, sin apenas diálogo durante gran parte de su metraje. Tiene gore, una actriz protagonista (Cecile de France, que ha participado en alguna que otra producción internacional) sensacional, y un argumento que sin tener nada especial a mi me convenció y enamoró con un giro final que a muchos puede no convenceros pero que tiene bastante más sentido sin volvéis a verla (sí, la vi dos veces).

The Descent
¿Buscáis una película de terror entretenida, claustrofóbica, con algún susto fácil, un poco de gore y un argumento que no os haga pensar? En ese caso, "The Descent" es una buena opción. La historia tiene poco misterio, seis amigas, una de las cuales (la protagonista) sufrió recientemente un traume muy duro, se reunen para hacer espeleología en unas cuevas aisladas e inexploradas en las que, como no, encuentran una desagradable sorpresa.

Es el típico filme de género en que sus personajes van muriendo uno a uno, de cientos de maneras distintas, y que tiene una cantidad de escenas de huida y persecución bastante grande. Pero eso sí, la sensación de incertidumbre está bien lograda y el escenario no podría ser más adecuado. Además, pasado cierto punto de la trama su protagonista se convierte en una especie de Tomb Raider.

Suspiria

Una propuesta mucho más diferente sería "Suspiria", dirigida por el italiano Darío Argento. Como pasaba con "La semilla del diablo", está a medio camino entre el thriller y el filme de terror, con algo de cine de autor. Y es que si por algo destaca "Suspiria" es por su cierto esperpentismo, patente sobre todo en una banda sonora enfermiza, y un diseño artística notable, especialmente por un protagonismo del color muy interesante.

La historia es mucho menos impresionante, y aunque tampoco pueda decir que sea aburrida sí que no tiene especial originalidad, y debe gran parte de su 'encanto' a la ambientación, a los aspectos técnicos y a un buen manejo de la tensión narrativa. La protagonista también deja bastante que desear. A pesar de todo, no deja de ser una película que llamará mucho la atención a más de uno.


viernes, 14 de noviembre de 2014

Interstellar

La película más esperada del año, para mi y para muchos; la nueva gran obra de un director que lleva diez años sorprendiendo con cada proyecto que lleva a cabo; una muy prometedora historia de ciencia ficción que lo tenía todo para convertirse en una genialidad más. ¿Y qué ha sido de ella? Efectivamente, una genialidad. 

A decir verdad, no esperaba menos. Tenía las expectativas muy altas con esta nueva película de Nolan, tan ambiciosa como siempre, pero a la vez sabía (y así ha sido) que difícilmente alcanzaría a mi película favorita, una cierta maravilla llamada "Origen". Afortunadamente, "Interstellar" ha cumplido, y lo que es más, ha supuesto un paso más en la filmografía de un Christopher Nolan que sigue confirmándose como uno de los mejores, más originales y más completos directores del siglo XXI. Toda una odisea de ciencia ficción que se mete de cabeza entre las mejores de su género.
Es dificilísimo quedarse con solo una cosa de un filme tan denso y complejo como este, así que iré por partes, sin profundizar mucho en cada uno de sus aspectos. La historia, que siempre ha sido el punto más fuerte de Nolan, es sencillamente magistral, sin grandes giros de guión pero muy sólida, alternando muy bien los momentos más dramáticos con otros de pura contemplación del universo (literalmente) y algunos toques cómicos bien introducidos. Únicamente tiene un par de fisuras en su final y con respecto a un personaje del que no revelaré nada.

Por supuesto, los protagonista de esta historia son igual de sólidos. Matthew McConaughey se mete en la piel de un padre de familia al que vemos durante toda la película debatirse entre el deber que tiene para con la humanidad y el amor paternal, que termina convirtiéndose en el eje central del filme, y que tampoco sería posible sin la también notable participación de Jessica Chastain, quien junto al de Anne Hathaway probablemente sean los mejores personajes femeninos que Nolan haya creado.
Por si fuera poco, visualmente es impresionante, y podría quedarme poco. Solo por las escenas en el agujero negro y los planetas merecería la pena pagar la entrada (y lo mejor es que los efectos visuales no apartan la atención de la historia). De notable también la banda sonora de Hans Zimmer. Y además para aquellos interesados por la ciencia os resultará también muy interesante. 

Los dos años de espera han valida la pena. Nolan sigue siendo tan fiable y sorprendente como siempre, y con "Interstellar" crea una de las mejores películas de ciencia ficción que se hayan hecho. 

Mi puntuación:
Sobresaliente



lunes, 10 de noviembre de 2014

No entiendo nada

Los que me seguís os leeis con cierta asiduidad mis artículos seguramente os habréis dado cuenta de que no suelo hacer críticas negativas, y que por contrario la mayoría de las que escribo están llenas de alabanzas y buenas palabras. Esto no se debe a que no me guste criticar ni porque tenga una personalidad positiva, sino simplemente porque mis gustos cinematográficos son bastante amplios y generalmente con que una película sea entretenida, esté medianamente bien hecha y tenga alguna pincelada de calidad y/u originalidad me contento. Pero hay veces, no muchas, en que veo un filme que me supera y me veo obligado a desatar un furia destructiva.
La película que voy a poner a parir aquí es "Boyhood". Sí, esa misma de la que con toda seguridad habéis oído hablar si seguís mínimamente la actualidad cinematográfica, de la que tanta gente habla maravillas y que tantos han alabado... ¿Por qué? Pues parece ser que por la simple razón de haber sido rodada a lo largo de doce años, en diferentes periodos de tiempo, a lo largo de la vida de un niño hasta su madurez. Y ya está, con esta frase os he contado de golpe toda la gracia y novedad que tiene la película, su argumento, y las razones que la han hecho tan famosa.

Yendo por partes, aunque respeto al mismo Richard Linklater que, en una jugada bastante similar a la de "Boyhood", tuvo la ocurrencia de rodar tres películas con diez años de diferencia entre cada una de ellas para crear la trilogía "Before" (o como la queráis llamar), que a mi personalmente me gusta mucho, estoy convencidísimo de que si hubiera hecho la misma película con actores diferentes para cada etapa de la vida del protagonista y se hubiese rodado de la forma 'tradicional' no habría tenido ni la mitad de la repercusión que está teniendo. Así de claro. Porque si le quitas esa peculiaridad "Boyhood" es una película del montón la mires como la mires. 
El argumento que más veces he leído para justificar su calidad más allá de su unica circunstancia especial es que su historia tiene el encanto de relatar la vida de un chico cualquiera, normal y sencilla. Vale, me parece muy bien que a muchos os guste ver eso, pero lo que no entiendo de ninguna manera es que se le esté colgando el cartel de obra maestra sólo por eso. Una película con tantos altibajos (de interés, no de un ritmo bastante uniforme) que pasadas las dos horas o incluso antes llega a aburrir soberanamente, con un protagonista que actúa peor conforme crece y tan anodina como esta no merece todos esos calificativos.

Os podéis imaginar la cara que se me queda cada vez que veo una quiniela de los Óscar y veo "Boyhood" como la gran favorita... En fin.



domingo, 9 de noviembre de 2014

Ciclo de Woody Allen: Annie Hall

Siendo Woody Allen un director con una producción cinematográfica tan amplia, es difícil que la gente se ponga de acuerdo sobre cuál de sus filmes es el mejor, pero uno de los nombres que más se mencionan es el de "Annie Hall", su primera gran obra y la que le convertiría (junto con "Manhattan") en uno de los cineastas más importantes y respetados de los últimos cincuenta años.
Hay quien dice que muchas de las películas de Woody Allen son demasiado parecidas entre ellas, sobre todo en lo que respecta a sus situaciones, argumentos o personajes, y en parte es cierto, pero su humor lo compensa con creces casi siempre de tal manera que se le perdonan sus 'recaídas'. "Annie Hall", aunque en mi opinión no sea la mejor de su filmografía (es difícil quedarse con una sola) agrupa buena parte de los defectos y virtudes de su director, tanto que podría ser una de las mejores opciones para cualquiera que quiera iniciarse en su cine. Tiene fragmentos y escenas divertidísimas, excelentes muestras del humor ingenioso tan representativo en él, y la historia siempre es interesante.
En "Annie Hall" también se ve con claridad el que para mí es el mayor punto débil de Woody Allen, y es que si como cómico es brillante y apenas se le podría achacar nada negativo, cuando entra en el terreno del drama no es tan convincente. Por ejemplo, película como "Poderosa Afrodita" que son casi 100% comedia funcionan perfectamente, pero "Annie Hall" alterna también algunos momentos más dramáticos, sobre todo al final del mismo que lastran un poco (muy poco, hay que puntualizarlo) la impresión global que da.

Si os gusta Woody Allen y aún no habéis visto esta película, vosotros os lo perdéis. Y si tenéis ganas de iniciaros con este director pero no habéis tenido la oportunidad, es probablemente una de las mejores opciones para hacerlo.

jueves, 6 de noviembre de 2014

Películas de terror que deberías ver (III)

A pesar de que Estados Unidos ha sido y sigue siendo el indiscutible número uno en cuanto al cine de terror, tanto por la importancia de algunas de sus películas como por otros motivos comerciales, desde finales de los años 90 ha comenzado a surgir una oleada de películas de este género procedentes de Japón, que junto a algunos títulos franceses de gran calidad han desviado un poco la atención del gigante norteamericano.

Desgraciadamente o no, depende de quién lo vea, gran parte de estos filmes han sido objeto de una serie de remakes sistemáticos adaptados a Estados Unidos, y gracias a los que algunas de las criaturas de estas películas (que muy a menudo suelen tener historias sobrenaturales) se han hecho enormemente populares, como el niño de "La maldición" o la famosísima escena del pozo y la televisión de "The ring".

Dark Water
No es tan conocida como las dos que mencioné antes (lo que no ha evitado que tenga un remake protagonizado por Jennifer Connelly), pero a mí me gustó bastante más. Su atmósfera es muy agobiante durante gran parte del filme y como toda buena película de espíritus "vengativos" tiene su ración de sustos, no del todo efectivos pero como no abusa de ellos se le perdona. Lo mejor es sin duda la originalidad de su planteamiento, ya que emplea algo tan simple como goteras o un cuarto inundado de agua para crear una sensación muy inquietante. Está dirigida por Hideo Nakata, el creador de "The Ring"...

The Ring
...A quién ahora le llega el turno. Muchos seguramente la conoceréis más por el remake de Gore Verbinski, que no he visto pero se dice que no está nada mal para ser lo que es. Fue la película que puso el terror japonés en el mapa, y además de darnos una escena mítica (no hace falta que diga cual) no debe menospreciarse su efectividad a la hora de desarrollar un filme que puede llegar a dar bastante miedo en muchos momentos, por muchos que sus sustos sean bastante previsibles. La historia engancha por sí sola, algo que no se puede decir de muchos títulos del género.

Audition
No se puede hablar del cine japonés moderno sin mencionar el nombre de su director más polémico con diferencia, Takashi Miike. Sinónimo de gore descontrolado y muchas veces repulsivo hasta niveles altísimos, varios de sus filmes han cruzado la línea del mal gusto como la terrible (por lo mala que es y por algunas de sus escenas) "Ichi the Killer" y la controvertida "Visitor Q", aunque en otras ocasiones sea capaz de hacer filmes excelentes como "13 asesinos". "Audition" fue la película que le dio a conocer, y obviando su final, de una brutalidad atroz, ofrece una hora y media de buen cine de tensión, que juega con un espectador que sabe lo que va a ocurrir mientras ve cómo su protagonista va entrando de forma irremisible en la boca del lobo. 




lunes, 3 de noviembre de 2014

Ciencia ficción sin efectos especiales

Cuando escuchamos la palabra ciencia ficción, el 99% de las personas con casi absoluta probabilidad lo primero que se le vendrá a la cabeza serán viajes espaciales, robots, ciudades futuristas con vehículos voladores, viajes en el tiempo,... Son imágenes que décadas de películas y novelas de esta temática han perpetuado, y que ahora son prácticamente indivisibles. Creo que ninguno nos podemos imaginar lo que habría sido de la ciencia ficción sin los "Star Wars", "Alien", "Star Trek", "Matrix" y compañía, y si hacemos un repaso es gracias a títulos como estos por lo que este género se ha convertido en uno de los más importantes de la actualidad, y no solo en el cine.

Ahora bien, desde hace unos años hemos llegado a un punto en que el cine, y hablo sobre todo de las grandes producciones de Hollywood, los "blockbusters" de los más poderosos estudios, se ha volcado cada vez más acentuadamente a cargar muchas películas, y no solo de ciencia ficción, con toneladas de efectos generados por ordenador que en muchas ocasiones, demasiadas, no solo no ayudan, sino que provocan que se desvíe la atención de la historia u otros aspectos igual o más importantes. Por ello, si estás cansado de ver explosiones sin sentido o películas de Michael Bay, (y si no también, nunca está de más), te recomiendo que veas un par de filmes mucho menos conocidos que otros de gran presupuesto, pero con los que te llevarás una gran sorpresa.
Empecemos por la menos espectacular y la que menos me gustó de las dos (y que conste que aún así me lo pasé genial viéndola), "The Man from Earth", película de culto independiente con un argumento muy original, y una forma simplista pero efectiva a su manera de contarla. en la escasa hora y media que dura, el filme se basa en la historia de un hombre que lleva 10.000 años viviendo en este planeta, y cómo se lo revela a sus amigos antes de desaparecer de sus vidas. Simple y llanamente, esto es todo.

Muchos pensaréis, "¿Ya está? ¿Esto es todo?". Pues sí, no hay más misterio, pero el encanto de "The Man from Earth" se basa precisamente en eso, en cómo únicamente mediante la narración de una persona, sin flasbacks ni fogonazos retrospectivos, consigue meterte muy fácilmente en situación e interesarte profundamente en lo que su protagonista nos está diciendo. Tiene sus puntos débiles (su reparto, que a muchos os parecerá monótona) pero es algo que pocas veces se ve en el cine.
La segunda película de la que os quería hablar es la que está siendo una de las grandes sensaciones del año, "Coherence". Se trata de un filme bastante más complejo que el anterior, que llega a tratar y hablar de algunos conceptos metafísicos o algo así (se me dan fatal estas cosas) como el Gato de Schrodinger, pero básicamente os puedo decir que se basa en las realidades paralelas. Toda la acción es prácticamente contínua y se desarrolla en una única noche, en un escenario casi único.

"Coherence" al principio nos presenta una cena de viejos amigos como cualquier otra en la que comienzan a pasar sucesos extraños que parecen tener relación con un cometa. Poco a poco la historia se enreda y simultáneamente despeja las incógnitas creadas anteriormente, con un estilo además muy fresco y ágil. En mi opinión, podría ser junto a "Looper" la mejor película de ciencia ficción desde "Origen", y si queréis un título de este género original y diferente, no puedo dejar de recomendarla. 


jueves, 30 de octubre de 2014

Películas de terror que deberías ver (II)

Para el segundo capítulo de esta mini-sección (que si ha caído en estas fechas tan "convenientes" ha sido por simple casualidad, os lo juro), os traigo tres clásicos del cine de terror, cada uno de ellos de un subgénero distinto. y que también se encuentran entre mis favoritas de este tipo. Dos de ellas son, junto a "El exorcista", los tres mayores filmes de terror de los años 60 y 70, y con una influencia enorme en todos los títulos que se han hecho posteriormente. "Al final de la escalera" es algo menos conocido, pero igualmente recomendable.

La Maldición
Esta y "El exorcista" son probablemente los padres de todas las películas que tengan algo que ver con demonios y entidades diabólicas que se han hecho en las siguientes décadas, y con motivo. La banda sonora de "La maldición" (o "The Omen" en inglés) está entre las mejores y más icónicas del cine de terror; está protagonizada por una estrella de Hollywood como Gregory Peck y a pesar del paso de los años se conserva fantásticamente.

Sinceramente, creo que hay muy pocos filmes de los que se hacen en épocas más recientes que sean capaces de lograr la misma sensación de constante intranquilidad que transmite "La maldición", que lo hace además con recursos sencillos, sin la batería de efectos especiales y sustos fáciles que según parece son imprescindibles en el cine de terror de este siglo. Un ejemplo es el niño alrededor del que gira la historia, que simplemente por su aspecto y por la mirada que tiene es fácil inquietarse.

La semilla del diablo
Aunque realmente me cueste verla como una película auténtica de terror, por el simple hecho de que no da nada de miedo, por su argumento y la influencia que ha tenido merece la pena verla, y lo que sí puedo garantizar es que es bastante inquietante. Fue dirigida por Roman Polanski y protagonizada por Mia Farrow en uno de sus primeros papeles relevantes, y si ahora aún se le puede considerara como un filme algo transgresor, es difícil imaginarse lo que supondría allá por 1968.

Lo mejor de la película es cómo desde el mismo inicio no hace más que dejarte pequeñas piezas de la historia, de la que pasado cierto punto comienzas a sospechar su verdadero trasfondo, y relativamente pronto es fácil darse cuenta de lo que está ocurriendo en realidad, pero no por ello dejas de querer seguir viéndola. No la recomendaría si buscáis una película que asuste, pero es más que interesante.

Al final de la escalera
En este caso nos encontramos con una de las mejores películas de casas encantadas y presencias del más allá que existen. No es nada espectacular pero tiene muy buenos ingredientes: psicofonías, niños muertos, un protagonista con un triste pasado y la mansión antigua de turno. Muy entretenida y con algunos momentos claustrofóbicos. La historia está bien desarrollada, y alterna bien los momentos de tensión con los de tranquilidad.

Sin aterrorizar en absoluto, "Al final de la escalera" es de esas películas que gracias a un buen ambiente y a una historia bien construida puede haceros pasar un buen rato (o malo, según como se vea). Además, seguramente sea uno de los modelos de este subgénero del cine de terror, uno de los más habituales, por si fuera poco.

lunes, 27 de octubre de 2014

Ciclo de Woody Allen: Poderosa Afrodita

Desde hace décadas (de hecho, en pocos años sus primeras películas cumplirán medio siglo de vida) el nombre de Woody Allen ha estado unido de forma inherente al de comedia, y sin lugar a dudas es el director más vinculado y que más ha hecho por este género en el cine contemporáneo. Aunque me ha resultado muy difícil escoger solo diez títulos de su extensísima filmografía, he intentado hacer una selección más o menos equilibrada entre sus películas clásicas y otras más recientes, y para dar inicio a este ciclo decidí empezar con un filme que tenía muchas ganas de ver desde hacía tiempo, "Poderosa Afrodita".

Puede que a muchos no os suene tanto como otras películas de Woody Allen, pero la verdad es que, teniendo en cuenta las pocas que he visto hasta ahora, "Poderosa Afrodita" es una gran comedia en la que su director despliega en todo su esplendor ese humor ingenioso que de una forma u otra siempre introduce en sus obras de este género, y además sin ese tono ligeramente filosófico que a veces le da por emplear (aunque no es que a mi me disguste).

La historia está protagonizada por Lenny (interpretado por el propio Woody Allen), un periodista que ante la insistencia de su mujer adopta un niño. y posteriormente, motivado por lo inteligente que su hijo demuestra ser conforme crece, decide buscar a su madre biológica, quien resulta ser una prostituta de pocas luces, a la que da vida con una gran interpretación Mira Sorvino. Entre medias, un curioso coro clásico griego que aporta un punto más de originalidad al filme.

Aunque no os guste especialmente Woody Allen, le recomendaría esta película a cualquiera. Divertidísima, con un buen argumento y muy ligera, una garantía de risas abundantes que es, al fin y al cabo, lo mínimo que se le puede pedir a una comedia decente.