domingo, 30 de noviembre de 2014

Los tres samuráis de Kurosawa

A lo largo de este año en el que he visto un gran número de películas y descubierto en gran medida el cine oriental, hay un nombre que ya he repetido varias veces en unos cuantos artículos de este blog, y cuyos filmes me han gustado cada uno más que el anterior, hasta el punto de que se encuentra sin ninguna duda entre mis 3-5 directores favoritos: Akira Kurosawa, el mayor genio que ha dado el cine de Japón, un país en el que no escasean los grandes artistas del mundo cinematográfico. A través de una larga carrera que se prolongó durante más de 50 años dejó para la posteridad una lista importante de obras maestras y otras películas "menores" de también una gran calidad.

Para empezar una pequeña sección, hoy he querido hablar de tres actores que, si ves varias de sus películas, pronto te darás cuenta de que aparecen una y otra vez en ellas, y es que entre ellos tres protagonizaron la mayor parte de sus obras.

Toshiro Mifune
El gran samurái de Kurosawa. Protagonizó, en solitario o en compañía de Shimura o Nakadai, nada más y nada menos que 16 filmes entre los años 1948 y 1965, es decir, todas las películas que el Emperador realizó en este periodo con excepción de "Ikiru". Tan importante fue en su carrera que sería difícil imaginar obras maestras como "Los siete samuráis", "Yojimbo", "Rashomon" o "Trono de sangre" sin él. 

Aunque sea más conocido por protagonizar películas del género estrella de Kurosawa, los de samuráis, también participó en excelentes dramas o thriller como "El infierno del odio", "El ángel borracho" o "Barbarroja". 

Takashi Shimura
El más veterano y en mi opinión el más versátil de los tres, ya que era capaz de realizar interpretaciones igual de convincentes en personajes tan distintos como el entrañable funcionario de "Ikiru", el médico de "El ángel borracho" o el samurái de "Los siete samuráis". No protagonizó en tantas películas de Kurosawa como Toshiro Mifune, aunque también tuvo papeles menores en varias más. 

Tatsuya Nakadai
Es el más joven de estos tres actores, y el único que sigue vivo actualmente. En parte por esta razón no aparecería en las películas de Kurosawa hasta los años 60, década en que el director comenzó a reducir su ritmo de producción, que hasta entonces había sido prácticamente de una película por año. Aún así, fue el principal villano de "Yojimbo" y "Sanjuro", el detective de "El infierno del odio" y protagonizó las dos últimas grandes obras de Kurosawa, ya en los años 80: "Kagemusha" y "Ran". Además, también protagonizó varias películas de otro gran director japonés de la época, Masaki Kobayashi.




jueves, 27 de noviembre de 2014

Jean-Pierre Jeunet en tres películas

Ya he hablado otras veces de la calidad que tiene la nueva ola de cine de terror francés, pero estos últimos años de lo que más se suele hacer referencia cuando se habla de la industria cinematográfica del país galo, junto algún que otro drama excepcional como "La vida de Adéle", son las comedias. Muchos recordaréis el enorme éxito que tuvo en España "Intocable", una película divertidísima, con grandes protagonistas y un notable argumento que trataba magníficamente un tema de la talla de la discapacidad.

A pesar de ello, la gran referencia de la comedia francesa sigue siendo una película que se estrenó hace ya más de diez años, "Amélie", obra de un director con un estilo narrativo y visual original como pocos, y que también tiene un par de títulos muy recomendables.
El primer largometraje de este director, Jean-Pierre Jeunet, fue "Delicatessen", allá por el año 1991. En ella, haciendo gala de su particular fotografía y de una habilidad para desarrollar historias que sobrepasan, a veces con creces, la línea de lo absurdo, Jeunet nos relataba la historia de los habitantes de un edifico semiderruído recién terminada la II Guerra Mundial, donde dada la escasez de comida, un carnicero se dedica a engañar a personas para matarlas y vender su carne a los vecinos. Todo ello mientras cada uno de los que viven allí tienen sus propias historias y peculiaridades.

"Amélie", aunque en mi opinión esté algo sobrevalorada, no deja de ser una de las mejores comedias de la última década. ¿Por qué? Simplemente, es única como pocas, aprovechaba el agudo sentido del humor que se veía en "Delicatessen" y lo trasladaba a una trama más amable que permite al espectador no solo reírse con ella, sino hasta cierto punto implicarse mucho más en la historia. Además, Amélie Poulain no es por nada un personaje tan conocido.
La última de esta lista es la más reciente y también menos conocida que las anteriores, pero a mi me gusta incluso más que "Amélie". Se trata de "Micmacs", protagonizada por Dany Boon, que daba un giro de tuerca más al estilo de Jeunet, regresando al absurdo más 'profundo' de "Delicatessen" e incluso introduciendo un tema de crítica social. De nuevo, apostaba por una larga lista de personajes entrañables, cada uno con una o dos características muy especiales.


lunes, 24 de noviembre de 2014

Los mejores actores coreanos

Ya sabéis que desde que descubrí el cine coreano hace unos meses me he convertido en un seguidor compulsivo de las películas de este país, cuya producción cinematográfica puede presumir de una gran variedad (aunque, como ya he dicho varias veces, destaquen especialmente los thrillers) y que ha dado a luz un gran número de filmes de una altísima calidad que podrían enfrentarse cara a cara y en igualdad de condiciones con otras muchas producciones estadounidenses u occidentales.

Como hace bastante tiempo desde la última vez que escribí algo sobre cine coreano, he pensado en hacer un breve repaso de sus más destacados intérpretes, artículo que complementaré con otro que probablemente suba la próxima semana hablando sobre los mejores directores de Corea.

Song Kang-ho
Uno de mis actores favoritos de cualquier nacionalidad. Capaz de desenvolverse como pez en el agua en cualquier registro, y siempre con la misma solvencia. Ha hecho personajes muy distintos sin que ninguno parezca menos convincente que otros. A excepción de con el peculiar Kim Ki-duk, ha estado a las órdenes de los tres mayores directores de Corea, interpretando papeles como el detective algo palurdo de "Memories of Murder", el sacerdote vampiro de "Thirst" o a un militar norcoreano en "JSA". Afortunadamente (y no es sarcasmo) aún no ha caído en las redes del cine estadounidense.

Choi Min-sik
Seguramente el rostro más conocido del cine coreano, en gran medida por haber sido el protagonista de "Oldboy". Especializado en personajes duros y villanos de la peor especie, como los asesinos en serie  de "Encontré al diablo" y "Sympathy for Lady Vengeance", papeles a los que parece adaptarse muy bien y con los que ha dado vida a los que probablemente sean los dos personajes más maquiavélicos que he visto en películas coreanas. Recientemente dio el salto al cine occidental de la mano de Luc Besson en "Lucy".

Lee Byung-hun
Aunque sea más limitado que los anteriores, es uno de los intérpretes más importantes de Corea y además el que ha participado en un mayor número de producciones estadounidenses, la mayoría de ellas de acción. Su especialidad: policías y guardaespaldas, tales como los vengativos agente y mafioso de "Encontré al diablo" y "A Bittersweet Life". Es el actor fetiche del director Kim Jee-woon.

Lee Young-ae
Por supuesto, esta lista no podía terminar sin un par de aportaciones femeninas. La primera de ella, Lee Young-ae, a pesar de su escasa filmografía, en la que figuran dos películas de Park Chan-wook, "JSA" y sobre todo "Sympathy for Lady Vengeance", en la que realiza una enorme interpretación desde que la película comienza hasta que acaba. 

Doona Bae
Es más conocida por ser una de las protagonistas de la fantástica "El atlas de las nubes" de los hermanos Wachowski, pero más allá de esta película, Doona Bae ya dio anteriormente muestras de su dote como actriz en "The Host" y Sympathy for Mr Vengeance". En esta última era, además, de lo mejorcito de una película que considero entre las peores de Park Chan-wook







viernes, 21 de noviembre de 2014

Ciclo de Woody Allen: Match Point

Muchas personas suelen emplear esa famosa frase de 'cualquier tiempo pasado fue mejor' aplicada al cine en general cuando miran con nostalgia la larga lista de clásicos inmortales que se han hecho en décadas pasadas. Lo mismo suele pasar con aquellos directores de larga trayectoria, como Scorsese o el propio Woody Allen, de quien algunos dicen que no es el mismo que hizo "Annie Hall" o "Manhattan". Sinceramente, aún no he visto tantas películas suyas como para opinar, pero de las que conozco, mi favorita es una de sus más recientes, "Midnight in Paris", y seguramente muchas personas hablen de "Match Point" como una muestra de que la calidad de Woody Allen sigue siendo la misma.

Para empezar, tengo que decir que las películas románticas (hablo de aquellas 'principalmente' románticas) no es de mis favoritas. Suelen parecerme muy sosas las historias que no hacen más que contar la relación de dos personas, con alguna que otra excepción atípica. Con Woody Allen, un director cuya carrera ha estado vinculado al cine romántico, pero casi siempre en clave de comedia, se lo perdono casi siempre por las risas que me proporciona. Es por eso que si quitamos de la ecuación ese componente fundamental, la comedia, es fácil entender que no me gusten tanto.

Por otro lado, y teniendo en cuenta que es un género que me atrae más bien poco, siendo objetivos hay que reconocer que "Match Point" es una buena película, sin más. Su historia es mínimamente interesante, lo justo para que mientras la veo no me ponga a pensar en otra cosa y tenga más ganas de que se acabe que de seguir viéndola. Está muy bien estructurada, cada 'capítulo' ocupa el espacio de tiempo justo y necesario, y aunque se centre en el romance entre sus dos protagonistas, se agradece que no se deje completamente de lado a los demás personajes (en especial el interpretado por Emily Mortimer, la tercera piedra angular de la trama). 

También es de agradecer que tenga buenas interpretaciones, ninguna excepcional, pero convincentes. Scarlett Johansson, que por mucho que se diga nunca será una gran actriz, hace una de sus mejores actuaciones, y su compañero Jonathan Rhys-Meyers... En fin, digamos que es convincente. Me habría gustado que Matthew Goode, un actor muy infravalorado que siempre he pensado que se merece más papeles protagonistas, tuviese más minutos en pantalla.

En fin, "Match Point" no es lo mejor de Woody Allen y está un pelín sobrevalorada, pero si os gusta el cine romántico es una apuesta casi segura.

lunes, 17 de noviembre de 2014

Películas de terror que deberías ver (IV)

Para poner el broche de oro a esta mini-sección, para el que durante más de un mes he estado viendo películas de terror casi todas las noches, os recomiendo tres títulos no muy conocidos, pero que por un motivo u otro me gustaron mucho y me parecen filmes notables que seguramente disfrutaréis si os gusta el género. En contraste con el último capítulo, que centré en joyas del terror japonés, todas las que veréis aquí son producciones europeas, una británica aunque desarrollada en Estados Unidos, otro del cine giallo italiano, y por último otra maravilla de la nueva ola de terror francés. Algunos son mejores que otras pero ninguna tiene desperdicio.

Alta tensión
Junto a dos películas que no me canso de recomendar, "Martyrs" y "A l'interieur", "Haute tension" podría conformar una extraordinaria trilogia de esa nueva ola de terror francés que puede competir en cuanto a calidad (y diría que supera a muchísimas) a las producciones más conocidas del gigante estadounidense. Como las otras dos, "Haute tension" se caracteriza por su sencillez en muchos aspectos, su brutalidad extrema, tanta que un par de escenas fueron censuradas en más de un país, y por ser cintas de terror puramente humanas, es decir, que no tienen nada sobrenatural en su argumento. Además, sus protagonistas también son mujeres.

Aunque tiene un buen número de detractores, "Haute tension" se ha convertido en una de mis películas de terror favoritas. Su título indica muy bien lo que os váis a encontrar, muchísima tensión condensada en escenas que os obligarán a contener la respiración, sin apenas diálogo durante gran parte de su metraje. Tiene gore, una actriz protagonista (Cecile de France, que ha participado en alguna que otra producción internacional) sensacional, y un argumento que sin tener nada especial a mi me convenció y enamoró con un giro final que a muchos puede no convenceros pero que tiene bastante más sentido sin volvéis a verla (sí, la vi dos veces).

The Descent
¿Buscáis una película de terror entretenida, claustrofóbica, con algún susto fácil, un poco de gore y un argumento que no os haga pensar? En ese caso, "The Descent" es una buena opción. La historia tiene poco misterio, seis amigas, una de las cuales (la protagonista) sufrió recientemente un traume muy duro, se reunen para hacer espeleología en unas cuevas aisladas e inexploradas en las que, como no, encuentran una desagradable sorpresa.

Es el típico filme de género en que sus personajes van muriendo uno a uno, de cientos de maneras distintas, y que tiene una cantidad de escenas de huida y persecución bastante grande. Pero eso sí, la sensación de incertidumbre está bien lograda y el escenario no podría ser más adecuado. Además, pasado cierto punto de la trama su protagonista se convierte en una especie de Tomb Raider.

Suspiria

Una propuesta mucho más diferente sería "Suspiria", dirigida por el italiano Darío Argento. Como pasaba con "La semilla del diablo", está a medio camino entre el thriller y el filme de terror, con algo de cine de autor. Y es que si por algo destaca "Suspiria" es por su cierto esperpentismo, patente sobre todo en una banda sonora enfermiza, y un diseño artística notable, especialmente por un protagonismo del color muy interesante.

La historia es mucho menos impresionante, y aunque tampoco pueda decir que sea aburrida sí que no tiene especial originalidad, y debe gran parte de su 'encanto' a la ambientación, a los aspectos técnicos y a un buen manejo de la tensión narrativa. La protagonista también deja bastante que desear. A pesar de todo, no deja de ser una película que llamará mucho la atención a más de uno.


viernes, 14 de noviembre de 2014

Interstellar

La película más esperada del año, para mi y para muchos; la nueva gran obra de un director que lleva diez años sorprendiendo con cada proyecto que lleva a cabo; una muy prometedora historia de ciencia ficción que lo tenía todo para convertirse en una genialidad más. ¿Y qué ha sido de ella? Efectivamente, una genialidad. 

A decir verdad, no esperaba menos. Tenía las expectativas muy altas con esta nueva película de Nolan, tan ambiciosa como siempre, pero a la vez sabía (y así ha sido) que difícilmente alcanzaría a mi película favorita, una cierta maravilla llamada "Origen". Afortunadamente, "Interstellar" ha cumplido, y lo que es más, ha supuesto un paso más en la filmografía de un Christopher Nolan que sigue confirmándose como uno de los mejores, más originales y más completos directores del siglo XXI. Toda una odisea de ciencia ficción que se mete de cabeza entre las mejores de su género.
Es dificilísimo quedarse con solo una cosa de un filme tan denso y complejo como este, así que iré por partes, sin profundizar mucho en cada uno de sus aspectos. La historia, que siempre ha sido el punto más fuerte de Nolan, es sencillamente magistral, sin grandes giros de guión pero muy sólida, alternando muy bien los momentos más dramáticos con otros de pura contemplación del universo (literalmente) y algunos toques cómicos bien introducidos. Únicamente tiene un par de fisuras en su final y con respecto a un personaje del que no revelaré nada.

Por supuesto, los protagonista de esta historia son igual de sólidos. Matthew McConaughey se mete en la piel de un padre de familia al que vemos durante toda la película debatirse entre el deber que tiene para con la humanidad y el amor paternal, que termina convirtiéndose en el eje central del filme, y que tampoco sería posible sin la también notable participación de Jessica Chastain, quien junto al de Anne Hathaway probablemente sean los mejores personajes femeninos que Nolan haya creado.
Por si fuera poco, visualmente es impresionante, y podría quedarme poco. Solo por las escenas en el agujero negro y los planetas merecería la pena pagar la entrada (y lo mejor es que los efectos visuales no apartan la atención de la historia). De notable también la banda sonora de Hans Zimmer. Y además para aquellos interesados por la ciencia os resultará también muy interesante. 

Los dos años de espera han valida la pena. Nolan sigue siendo tan fiable y sorprendente como siempre, y con "Interstellar" crea una de las mejores películas de ciencia ficción que se hayan hecho. 

Mi puntuación:
Sobresaliente



lunes, 10 de noviembre de 2014

No entiendo nada

Los que me seguís os leeis con cierta asiduidad mis artículos seguramente os habréis dado cuenta de que no suelo hacer críticas negativas, y que por contrario la mayoría de las que escribo están llenas de alabanzas y buenas palabras. Esto no se debe a que no me guste criticar ni porque tenga una personalidad positiva, sino simplemente porque mis gustos cinematográficos son bastante amplios y generalmente con que una película sea entretenida, esté medianamente bien hecha y tenga alguna pincelada de calidad y/u originalidad me contento. Pero hay veces, no muchas, en que veo un filme que me supera y me veo obligado a desatar un furia destructiva.
La película que voy a poner a parir aquí es "Boyhood". Sí, esa misma de la que con toda seguridad habéis oído hablar si seguís mínimamente la actualidad cinematográfica, de la que tanta gente habla maravillas y que tantos han alabado... ¿Por qué? Pues parece ser que por la simple razón de haber sido rodada a lo largo de doce años, en diferentes periodos de tiempo, a lo largo de la vida de un niño hasta su madurez. Y ya está, con esta frase os he contado de golpe toda la gracia y novedad que tiene la película, su argumento, y las razones que la han hecho tan famosa.

Yendo por partes, aunque respeto al mismo Richard Linklater que, en una jugada bastante similar a la de "Boyhood", tuvo la ocurrencia de rodar tres películas con diez años de diferencia entre cada una de ellas para crear la trilogía "Before" (o como la queráis llamar), que a mi personalmente me gusta mucho, estoy convencidísimo de que si hubiera hecho la misma película con actores diferentes para cada etapa de la vida del protagonista y se hubiese rodado de la forma 'tradicional' no habría tenido ni la mitad de la repercusión que está teniendo. Así de claro. Porque si le quitas esa peculiaridad "Boyhood" es una película del montón la mires como la mires. 
El argumento que más veces he leído para justificar su calidad más allá de su unica circunstancia especial es que su historia tiene el encanto de relatar la vida de un chico cualquiera, normal y sencilla. Vale, me parece muy bien que a muchos os guste ver eso, pero lo que no entiendo de ninguna manera es que se le esté colgando el cartel de obra maestra sólo por eso. Una película con tantos altibajos (de interés, no de un ritmo bastante uniforme) que pasadas las dos horas o incluso antes llega a aburrir soberanamente, con un protagonista que actúa peor conforme crece y tan anodina como esta no merece todos esos calificativos.

Os podéis imaginar la cara que se me queda cada vez que veo una quiniela de los Óscar y veo "Boyhood" como la gran favorita... En fin.



domingo, 9 de noviembre de 2014

Ciclo de Woody Allen: Annie Hall

Siendo Woody Allen un director con una producción cinematográfica tan amplia, es difícil que la gente se ponga de acuerdo sobre cuál de sus filmes es el mejor, pero uno de los nombres que más se mencionan es el de "Annie Hall", su primera gran obra y la que le convertiría (junto con "Manhattan") en uno de los cineastas más importantes y respetados de los últimos cincuenta años.
Hay quien dice que muchas de las películas de Woody Allen son demasiado parecidas entre ellas, sobre todo en lo que respecta a sus situaciones, argumentos o personajes, y en parte es cierto, pero su humor lo compensa con creces casi siempre de tal manera que se le perdonan sus 'recaídas'. "Annie Hall", aunque en mi opinión no sea la mejor de su filmografía (es difícil quedarse con una sola) agrupa buena parte de los defectos y virtudes de su director, tanto que podría ser una de las mejores opciones para cualquiera que quiera iniciarse en su cine. Tiene fragmentos y escenas divertidísimas, excelentes muestras del humor ingenioso tan representativo en él, y la historia siempre es interesante.
En "Annie Hall" también se ve con claridad el que para mí es el mayor punto débil de Woody Allen, y es que si como cómico es brillante y apenas se le podría achacar nada negativo, cuando entra en el terreno del drama no es tan convincente. Por ejemplo, película como "Poderosa Afrodita" que son casi 100% comedia funcionan perfectamente, pero "Annie Hall" alterna también algunos momentos más dramáticos, sobre todo al final del mismo que lastran un poco (muy poco, hay que puntualizarlo) la impresión global que da.

Si os gusta Woody Allen y aún no habéis visto esta película, vosotros os lo perdéis. Y si tenéis ganas de iniciaros con este director pero no habéis tenido la oportunidad, es probablemente una de las mejores opciones para hacerlo.

jueves, 6 de noviembre de 2014

Películas de terror que deberías ver (III)

A pesar de que Estados Unidos ha sido y sigue siendo el indiscutible número uno en cuanto al cine de terror, tanto por la importancia de algunas de sus películas como por otros motivos comerciales, desde finales de los años 90 ha comenzado a surgir una oleada de películas de este género procedentes de Japón, que junto a algunos títulos franceses de gran calidad han desviado un poco la atención del gigante norteamericano.

Desgraciadamente o no, depende de quién lo vea, gran parte de estos filmes han sido objeto de una serie de remakes sistemáticos adaptados a Estados Unidos, y gracias a los que algunas de las criaturas de estas películas (que muy a menudo suelen tener historias sobrenaturales) se han hecho enormemente populares, como el niño de "La maldición" o la famosísima escena del pozo y la televisión de "The ring".

Dark Water
No es tan conocida como las dos que mencioné antes (lo que no ha evitado que tenga un remake protagonizado por Jennifer Connelly), pero a mí me gustó bastante más. Su atmósfera es muy agobiante durante gran parte del filme y como toda buena película de espíritus "vengativos" tiene su ración de sustos, no del todo efectivos pero como no abusa de ellos se le perdona. Lo mejor es sin duda la originalidad de su planteamiento, ya que emplea algo tan simple como goteras o un cuarto inundado de agua para crear una sensación muy inquietante. Está dirigida por Hideo Nakata, el creador de "The Ring"...

The Ring
...A quién ahora le llega el turno. Muchos seguramente la conoceréis más por el remake de Gore Verbinski, que no he visto pero se dice que no está nada mal para ser lo que es. Fue la película que puso el terror japonés en el mapa, y además de darnos una escena mítica (no hace falta que diga cual) no debe menospreciarse su efectividad a la hora de desarrollar un filme que puede llegar a dar bastante miedo en muchos momentos, por muchos que sus sustos sean bastante previsibles. La historia engancha por sí sola, algo que no se puede decir de muchos títulos del género.

Audition
No se puede hablar del cine japonés moderno sin mencionar el nombre de su director más polémico con diferencia, Takashi Miike. Sinónimo de gore descontrolado y muchas veces repulsivo hasta niveles altísimos, varios de sus filmes han cruzado la línea del mal gusto como la terrible (por lo mala que es y por algunas de sus escenas) "Ichi the Killer" y la controvertida "Visitor Q", aunque en otras ocasiones sea capaz de hacer filmes excelentes como "13 asesinos". "Audition" fue la película que le dio a conocer, y obviando su final, de una brutalidad atroz, ofrece una hora y media de buen cine de tensión, que juega con un espectador que sabe lo que va a ocurrir mientras ve cómo su protagonista va entrando de forma irremisible en la boca del lobo. 




lunes, 3 de noviembre de 2014

Ciencia ficción sin efectos especiales

Cuando escuchamos la palabra ciencia ficción, el 99% de las personas con casi absoluta probabilidad lo primero que se le vendrá a la cabeza serán viajes espaciales, robots, ciudades futuristas con vehículos voladores, viajes en el tiempo,... Son imágenes que décadas de películas y novelas de esta temática han perpetuado, y que ahora son prácticamente indivisibles. Creo que ninguno nos podemos imaginar lo que habría sido de la ciencia ficción sin los "Star Wars", "Alien", "Star Trek", "Matrix" y compañía, y si hacemos un repaso es gracias a títulos como estos por lo que este género se ha convertido en uno de los más importantes de la actualidad, y no solo en el cine.

Ahora bien, desde hace unos años hemos llegado a un punto en que el cine, y hablo sobre todo de las grandes producciones de Hollywood, los "blockbusters" de los más poderosos estudios, se ha volcado cada vez más acentuadamente a cargar muchas películas, y no solo de ciencia ficción, con toneladas de efectos generados por ordenador que en muchas ocasiones, demasiadas, no solo no ayudan, sino que provocan que se desvíe la atención de la historia u otros aspectos igual o más importantes. Por ello, si estás cansado de ver explosiones sin sentido o películas de Michael Bay, (y si no también, nunca está de más), te recomiendo que veas un par de filmes mucho menos conocidos que otros de gran presupuesto, pero con los que te llevarás una gran sorpresa.
Empecemos por la menos espectacular y la que menos me gustó de las dos (y que conste que aún así me lo pasé genial viéndola), "The Man from Earth", película de culto independiente con un argumento muy original, y una forma simplista pero efectiva a su manera de contarla. en la escasa hora y media que dura, el filme se basa en la historia de un hombre que lleva 10.000 años viviendo en este planeta, y cómo se lo revela a sus amigos antes de desaparecer de sus vidas. Simple y llanamente, esto es todo.

Muchos pensaréis, "¿Ya está? ¿Esto es todo?". Pues sí, no hay más misterio, pero el encanto de "The Man from Earth" se basa precisamente en eso, en cómo únicamente mediante la narración de una persona, sin flasbacks ni fogonazos retrospectivos, consigue meterte muy fácilmente en situación e interesarte profundamente en lo que su protagonista nos está diciendo. Tiene sus puntos débiles (su reparto, que a muchos os parecerá monótona) pero es algo que pocas veces se ve en el cine.
La segunda película de la que os quería hablar es la que está siendo una de las grandes sensaciones del año, "Coherence". Se trata de un filme bastante más complejo que el anterior, que llega a tratar y hablar de algunos conceptos metafísicos o algo así (se me dan fatal estas cosas) como el Gato de Schrodinger, pero básicamente os puedo decir que se basa en las realidades paralelas. Toda la acción es prácticamente contínua y se desarrolla en una única noche, en un escenario casi único.

"Coherence" al principio nos presenta una cena de viejos amigos como cualquier otra en la que comienzan a pasar sucesos extraños que parecen tener relación con un cometa. Poco a poco la historia se enreda y simultáneamente despeja las incógnitas creadas anteriormente, con un estilo además muy fresco y ágil. En mi opinión, podría ser junto a "Looper" la mejor película de ciencia ficción desde "Origen", y si queréis un título de este género original y diferente, no puedo dejar de recomendarla.